Lá pelos meus 12 anos, era completamente apaixonada por Crepúsculo. Amava a escrita, adorava a maneira como a narrativa era contada através das emoções de Bella, uma adolescente introvertida e tímida e muito, muito comum. E ao mesmo tempo, uma adolescente "diferente"; pois todo mundo nesta idade jura que é diferente. Mas em alguma parte da narrativa, melodramática em alguns pontos, pintava-se uma distância muito grande de Bella e das outras pessoas, como um estado pré-depressivo, um torpor. Isso ajudou com que eu me refletisse bem mais enquanto lia.

Anos mais tarde, o amadurecimento e bagagem de mais leituras vieram. E as problemáticas também: o jeito stalker de Edward e sua vontade de afastar Bella de seus amigos, além da obsessão de querer fazer parte de cada segundo da vida dela, incluindo mudar os próprios horários; a obsessão de Jacob em não aceitar um não como resposta e o assédio/abuso que ele infligiu à Bella em Eclipse; o teor pedofílico do "imprint" e o apagamento completo de qualquer escolha das meninas que tiveram a infelicidade de alguém ter com elas. 

Bem, os problemas estão aí, mas e o livro propriamente dito?

Em comemoração ao aniversário de 10 anos da saga, Stephanie Meyer publicou Life and Death, uma versão do primeiro livro onde todos os gêneros são trocados. Bella vira Beau e Edward vira Edythe. É também uma maneira de reler Crepúsculo, já que praticamente tudo é a mesma coisa a não ser pelo final. É como se ela só tivesse substituído nomes e pronomes e ocasionalmente tipos de roupa, o que é uma pena. No prólogo, Stephanie comenta que Beau diferente de Bella, é menos emocional e sofre de TOC; entretanto, isso nunca é mostrado na história, só citado. E fico pensando no sexismo velado de alguns leitores, pois é bem comum dizerem que a narrativa de Beau é melhor que a de Bella, sendo que basicamente é a mesma coisa. O fluxo de consciência é idêntico, a melancolia, as emoções internas guinando todos os pensamentos, tudo está lá. Uma mulher emotiva é chata, um homem emotivo é poético. Façam-me o favor.

E um detalhe bem legal é que Edward funciona muito mais como uma mulher do que como um homem. Edythe ao mesmo tempo em que é confiante e cada vez mais apaixonada por Beau, está em conflito entre o correto e a lealdade por sua família e os novos sentimentos pela última pessoa por quem deveria nutrir. No monólogo onde ela conta dos primeiros em que conheceu Beau e da luta entre seu instinto e o amor por sua família é um momento interessante que dá peso à personagem. O que me faz se um sexismo interno também entra na jogada porque tecnicamente não há nenhuma diferença entre um e outro. Por que Edythe é mais aceita que Edward? Isso pode nos indicar o estado dos romances que são publicados hoje, pois uma personagem que virou mulher parece mais interessante que muitas que originalmente são mulheres. 

E apesar disso, a troca de gênero não faz muita diferença narrativa. Stephanie Meyer admite que só fez a obra para provar que Bella não é uma donzela em perigo, mas um ser humano em perigo. Aí fica a questão. Bella não podia participar efetivamente das batalhas só pra não ser "donzela em perigo" porque isso seria um furo, ao mesmo tempo em que poderia haver maneiras de não torná-la totalmente inútil, como na luta final de Eclipse. Ao virar uma vampira, esse problema desaparece. Esse afastamento de Beau/Bella das lutas finais se dá mais pelo conflito de Meyer entre escrever romance ou fantasia.

Veja bem. Meyer faz uma coisa que eu aprecio: ela não mente para o público. Desde a sinopse até a orelha do livro, ela informa ao leitor que se trata de um livro romântico, história de amor, casal, temperado com fantasia. Hoje, muitas e muitas autoras tentam passar a ideia de um livro de fantasia quando na verdade, o livro tem romance como foco. Meyer é honesta, ninguém é enganado ao pegar Crepúsculo. Entretanto, como ainda tem elementos fantásticos, Meyer os utiliza para construir o clímax ao invés dos clichês entediantes encontrados em romances puros. Isso é bom e ruim. Bom poque não é monótono, ruim porque não combina com o resto do livro.

A caçada de James só se dá início a partir da página 241, antes disso, não há nenhum foreshadowing, nada que evidencia que romance/slice of life de uma adolescente e seu vampiro romântico irá virar um caso de caçada, rapto e assassinatos. Temos uma única menção de forasteiros e só. É interessante observar como Bella/Beau toma para si a responsabilidade pela vida de sua mãe, mesmo que o distanciamento possa fingir o contrário. Entretanto fica a questão: não teria sido mais interessante tratar dos elementos vampíricos antes e ao longo da obra? Podemos dizer que o problema só ocorre porque é o primeiro livro, mas no segundo isso também. Em Lua Nova, a mitologia é um pouco mais aprofundada. A história dos Volturi é interessante por si só, as regras rígidas seguidas por todos e monitoradas com autoridade real é premissa muito boa, os personagens milenares, os gêmeos bruxos e seus talentos nefastos; a própria estadia da família Volturi enganando e assassinando turistas é por si só, outra premissa que daria pano pra manga. Mas tudo isso acaba representando uma ínfima parte de Lua Nova, já que no fim do dia, é um slice of life que tenta ser maior do que é e por isso é tão frustrante.

É em Eclipse que Meyer consegue combinar mais o sobrenatural, plot e slice of life de maneira melhor. Logo no começo já temos o perigo apresentado, a mitologia dos lobos se desenvolve e Bella está em frente a várias decisões e muitos finais; sua formatura se aproxima, sua decisão de ser vampira já está tomada e tem uma leve participação na batalha final (do jeito que podia). Ainda há problemas: Edward querendo monitorar seus passos e achando que pode deixar ou não deixar ela ver os amigos, Jacob não aceitando um "não" como resposta e a beijando à força. Na verdade, o "vencedor" do triângulo amoroso já está decidido desde Lua Nova, então o conflito íntimo de Bella é mais manter uma vida como humana ou se tornar aquilo que ela sonha. Eu gosto bastante como aqui Bella mantém suas decisões e convicções mesmo com todos falando o que acham que é melhor para ela; ignora Edward sobre ver seus amigos, ignora Jacob que acha que ela não sabe escolher, quer se formar, quer explorar sua sexualidade como humana e quer ser uma vampira, indo contra Edward. 

Eclipse captura tudo o que eu gostaria que a saga tivesse sido. Ameaças rondando, conflitos de personagens e mitologia. A caçada de Victoria e o grupo de recém-criadas dá uma sensação de desconfiança e sensação de vigia que acelera a leitura. Amanhecer vem e os conflitos entre os personagens mantém a trama agitada. Jacob cresce como um personagem, deixa os instintos de lado e se põe a ajudar Bella; Edward perde a máscara de príncipe encantado ao mesmo tempo em que coloca a felicidade de Bella acima de seu egoísmo; até mesmo o fato de Bella ser a protetora e não a protegida melhora sua situação enquanto protagonista. 

Em Vida e Morte, não temos Beau consertando sua vida para se preparar para uma nova vida imortal. O final difere de Crepúsculo (a mudança mais brusca entre as duas obras). Aqui, Edythe chega uns minutos mais tarde no salão de balé e já não é possível sugar o veneno das veias de Beau; assim, a transformação ou morte são as únicas opções. Beau opta pela transformação e diferente de Edward, Edythe aceita sua decisão. É um final que faz mais sentido com a história caso fosse um livro único. O problema é que o final é um desrespeito completo com Charlie e Reneé. Fingir a própria morte e aparecer no funeral é uma atitude fria levando em conta que sua contraparte fez questão de continuar suas relações com eles, mesmo que poucas. E Beau não parece todo realizado como um vampiro, é como se fosse um detalhe e não um sonho cumprido no caso de Bella. É claro, precisamos levar em conta que Beau teve somente um livro de preparação e Bella uma saga inteira e a última coisa que precisamos são continuações para Vida e Morte.

No final, acho que somos um pouco injustos com o young adult. Sim, eu gostaria que Meyer tivesse focado em coisas mais interessantes que romances sem sal ou drama de adolescente, mas no fim do dia, não sou mais o público-alvo. Meninas adolescentes também merecem ter seus livros água com açúcar e não há nada de errado nisso.

Sinopse:

A história começa quando Ritsuka Uenoyama encontra Mafuyu Sato dormindo em uma escadaria da escola. Mafuyu vê que Ueno tem uma guitarra e ele, que também carrega uma, pede que Ueno o ensine a tocar. Ueno é praticamente um gênio autodidata e faz parte de uma banda. Também são membros dessa banda Haruki Nakayama e Akihiko Kaji. Mafuyu começa a frequentar alguns ensaios da banda para aprender mais sobre guitarra, uma vez que ele não sabe nada sobre o assunto. E é assim que os caminhos dos quatro começam a se embrenhar para construir a história do anime. 

Mafuyu é um personagem tímido e reservado. Ele é um completo ignorante quando o assunto é guitarra, não sabendo sequer o nome das partes que a compõe. Ele tem essa fixação com aprender tocar guitarra e o motivo é um verdadeiro mistério no começo. Quando ele encontra Ueno, surge a oportunidade perfeita para aprender tudo sobre o assunto. Quando Ueno toca um acorde simples, Mafuyu fica impressionado e quer muito aprender aquele acorde. 

Ueno, por sua vez, não sabe ao certo como ensinar alguém a tocar, pois ele aprendeu sozinho. Mesmo assim começa a ensinar Mafuyu - porque sabia que ele não iria desistir enquanto o Ueno não cedesse. Em um momento da história, Ueno questiona sobre qual é a música favorita de Mafuyu, e ele diz que não sabe, mas que tem uma que não sai de sua cabeça.

E então ele cantarola a música no la-la-la. 

Gente, quando ele abre a boca, você ouve o la-la-la mais triste de sua vida. 

Com o passar dos episódios, vemos o crescente interesse de Ueno em Mafuyu, e começa a ficar claro que ele está apaixonado. Também descobrimos um boato de que Mafuyu tinha um namorado na outra escola em que estudava e que esse moço se matou, e que Mafuyu é provavelmente responsável por isso. Mas apesar de o anime ter, sim, um clima de romance yaoi, o foco principal é no que está por trás da tristeza de Mafuyu. E esse boato que citei está parcialmente correto.

O ápice da história acontece quando Sato canta em uma apresentação da banda, no episódio 9. Todo mundo fica boquiaberto, não apenas com seu talento vocal, como também com a letra em si. Eu chorei com a música, especialmente com o casamento perfeito entre a letra, canção e flashbacks da história de Mafuyu e Yuki. Como essa apresentação é o ponto alto do anime, os últimos dois episódios acabam sendo corridos e meio sem graça, mas nada a ponto de estragar o que fora construído até ali. 

No geral, eu amei muito esse anime e assisti em dois dias. Ele é bem curtinho, dá pra assistir em uma sentada e é bem bacana de ver com alguém que a gente goste - que não vá julgar nossas lágrimas e talvez chore junto com você. 

E pra quem ficou curioso, Given, o nome que dá nome ao anime também é o futuro nome da banda dos meninos.

E isso é tudo, pessoal! 

Nota: ☆☆☆☆☆

Poucas pessoas estavam felizes com a temporada 11. A primeira temporada de um Doutor novo é sempre mais morna que as outras, entretanto a falta de um arco foi a cruz da 11º. Mas diferente do que disse, Chibnall, que para quem não sabe, é o showrunner da nossa era, deve sim ter lido os comentários tudo o que havia de errado e chegou com os dois pés na porta no episódio duplo que abriu a 12º temporada.

Digo de ter lido comentários por muita coisa já ter sido consertada: a falta de um arco, o apagamento de Yas, a falta de autoridade da Doutora, não tocar no nome de Gallifrey ou Time Lord etc. Agora que a nova temporada foi iniciada, Chibnall não só resolveu esses problemas, como entrega episódios frenéticos e chocantes.

A trama de espionagem, verdades e mentiras é cheia de ação, mas o que impressiona mesmo é o tratamento dado aos companions, principalmente a Yas e Ryan, cuja interação é bem mais natural. As entidades interdimensionais que matam espiões ao redor do globo e em "diferentes Terras" é  tipo de premissa que te deixa ansioso por respostas. E se essa temporada tem uma coisa, é a busca insana por respostas por parte dos fãs, pois o final do episódio duplo não só apresenta uma revelação bombástica, como apresenta um mistério que vai durar o resto da temporada ou quem sabe, até ao final da era Whittaker.

A partir de agora, este texto vai conter SPOILERS. 

No final de Spyfall Part I é revelado que o colega da Doutora, O, o simpático agente com quem ela trocava mensagens de Whatsapp, é na verdade o Mestre, seu best enemy. Parecendo mais com uma versão ora mais contida, ora com mais explosões de raiva de Simms, com uma obsessão pela Doutora que sobreviveu Missy, Mestre parece mais cruel do que antes. Preciso dizer que a reação da Doutora é muito boa, o choque estampado num quase terror, bem diferente da maneira hilária com ela viu um Dalek, que foi tanto criticada. O que é melhor do que é isso é que Chibnall contou que não lia reviews, e mesmo assim, os erros apontados na temporada foram corrigidos. Bem interessante, não acham?

E o legal da temporada 12, é que finalmente podemos voltar a fazer o que adoramos: teorizar. A Timeless Child pegou todo mundo de surpresa, pois ela foi citada na temp. 11 e esquecida no churrasco; agora, voltou com força e será a força motriz do arco que perpassara toda a era Whitaker. Em Spyfall Part II, Mestre revela que destruiu Gallifrey porque descobriu algo que os Time Lordes esconderam deles e no centro deste segredo está a Timeless Child. A questão que fica é: qual segredo seria esse que deixaria o Mestre tão chocado a ponto de destruir Gallifrey? Quem é a Timeless Child? Qual a relação da Doutora e do Mestre nesse segredo? O que não é segredo é que muitas teorias surgiram a partir disso.

Na mitologia de Doctor Who, a sociedade dos Time Lords foi originada a partir de três pessoas: Rassilon, Ômega e The Other, esta última, a identidade nunca foi revelada. Nesta origem surgiu a viagem no tempo e o conceito de regenerações. Nas teorias, discutem-se que The Other pode ser a Timeless Child, uma criança de outro planeta com dons divinos de imortalidade, assim, foi a partir dela que Rassilon e Ômega "criaram" as regenerações; desse modo, por todo esse tempo, não foram os Time Lords que conseguiram criar os ciclos regenerativos, isso foi um dom roubado de uma criança em cativeiro. 

Essa teoria é bem famosa, no entanto, não há nenhum aparente para o Mestre ficar chateado com isso. Para alguém que tortura e mata milhões de pessoas, uma criança sofrendo não seria grande coisa. Outra teoria sugere que a Timeless Child é na verdade a Doutora, uma encarnação escondida antes do primeiro Doutor, uma espécie de Doutor zero. Nessa encarnação, a Doutora seria a criança capturada cujos dons seriam a origem da regeneração também. Entretanto, o mesmo problema aparece aqui, pois não há motivo do Mestre abalado por causa disso. Talvez se forçar, dá pra fazer a narrativa de que ele não aceita que todos os Time Lords, inclusive ele, tem uma parte do Doutor dentro si. Ou talvez ele simplesmente não goste da ideia de outra pessoa fazendo isso com o Doutor. Em The Trial of a Time Lord, quando o Doutor estava em julgamento, o Mestre surgiu como seu advogado. Mesmo assim, não parece muito convincente que Gallifrey seria destruída por causa disso.

Outra teoria interessante é que os Time Lords tem regenerações infinitas e que só são limitadas para o controle dos Time Lords. Poderia ser frustrante para o Mestre descobrir isso após passar tanto sufoco para encontrar corpos e ciclos novos. 

Há também a teoria de que lá no início, Rassilon, Ômega e the Other não só roubaram regenerações, como o conhecimento das viagens do tempo. Ou seja, nesta versão, o fato dos Time Lords serem o primeiro povo que criou a viagem no tempo seria uma mentira. O conhecimento ou habilidade podem ter sido retirados da Timeless Child ou até de outro povo nativo de Gallifrey; aí, os Time Lords não só teriam roubado as viagens no tempo e regeneração, como o planeta também. É isso o que vai acontecer? Provavelmente não, mas é divertido imaginar. 

Outra coisa que provavelmente não vai acontecer é a Doutora e o Mestre serem irmãos, que seria no mínimo esquisito depois dos flertes e beijos. Ou seria a Timeless Child filha deles, tal como na DC comics Connor é filho de Lex Luthor e Clark? Bem, com a filha do Doutor ainda esquecida pela série, não é como se resolvessem dar outra para ele. E por mais que admira todos que teorizam por cima da Jenny e Susam, não posso fingir que eu acho que isso vai acontecer. Já se foram personagens misteriosas demais que todos queriam que fossem a Susan e não foi pra ter sobrado alguma esperança. 

De qualquer maneira, é perigoso mudar qualquer coisa em relação às origens da série, pois se o retcon for for ruim, o histórico de Chibnall em temporadas passadas ajudará a piorar a situação. Ou, num melhor caso, os fãs vão simplesmente ignorar o retcon, assim ignoram o Doutor fugindo de Gallifrey por ter medo em Hell Bent, já que foi um retcon que foi contra a premissa da série como um todo. Mas Moffat já tinha um ótimo legado em Doctor Who, assim, apesar das críticas de Hell Bent, ele se manteve como um escritor elogiado. Chibnall ainda não tem isso, o que torna qualquer mudança muito drástica na mitologia da série perigosa. Entretanto, se der certo, pode revolucionar a narrativa pelos próximos muitos anos.

Nunca gostei da Harley Quinn. Eu me lembro de quando era criança e a vi pela primeira vez no desenho da Liga da Justiça. Eu a odiei instantaneamente, não conseguia compreender por que ela aceitava ser tratada como um lixo, achava-a terrível e uma personagem burra (até antes da onda de "desconstrução" na internet eu já achava isso péssimo). Então os anos se passaram e perceberam que a Harley fazia dinheiro. Os games Arkham alavancaram a popularidade dela e pouco a pouco, ela se entranhou nos quadrinhos e apesar do péssimo Esquadrão Suicida, a popularidade foi descomunal. Hoje, Arlequina estrela diversas séries e mini séries nos quadrinhos e animações, e há anos, separou-se completamente do Coringa. Pois não dá para fazê-la uma anti-heroína e ganhar muito dinheiro com sua fama e ao mesmo tempo fazê-la uma personagem burra e dependente. A nova Harley é um espírito livre e arruaceira que superou sua obsessão e deixou para trás ser uma "cria" do Coringa. Harley, finalmente, construiu sua própria identidade.

A nova série animada Harley Quinn captura muito bem essa faceta recente de Harley. Vemos sua antiga obsessão com o Coringa e traje clássico, ambos vindos de sua primeira aparição em Batman The Animated Series, para logo serem confrontados por Poison Ivy (Hera Venenosa), uma das estrelas do piloto e a que puxa tanto o plot quanto Harley para frente. É delicioso assistir os diálogos de Harley e Ivy, a seriedade e sensatez de Ivy e a infantilidade e alegria com pitadas de psicopatia de Harley trazem um tom espirituoso e dinâmico na relação. Você nunca ficará entediado. E na verdade, todos os diálogos são muito bons, humor sempre acertando em cheio. 

A cena em que Harley vê uma foto antiga sua, da época em que ainda era a psiquiatra Harleen Quinzel, é excelente e consegue mostrar quem ela era, que é e quem pode ser. Poison Ivy a convence que Harley é muito mais do que isso e que o Coringa não a ama, essa lenta realização cozinhando ao longo do piloto enquanto Harley tenta se convencer do contrário. O que foi necessário, não é como se ela fosse parar de amá-lo de uma hora para outra; a forma de saber que Ivy está correta e que precisa seguir seu próprio caminho é feita de uma maneira muito boa e convincente no primeiro episódio. O Coringa amar o Batman e não ela faz a montagem da descoberta ser até de quebrar o coração e emotiva apesar do humor que é o ponto alto da série. Mas não há nada melhor que uma comédia que faz sentir, não é mesmo?

Como não podia deixar de ser, é um desenho adulto. Geralmente, isso significaria design de personagem terrível e animação péssima (alguns produtores pensam que se tiver piadas de sexo é o suficiente então o resto pode ser um lixo), mas o aspecto técnico de Harley Quinn se segura bem. Harley está maravilhosa, apesar do design e traje de Ivy não serem inspirados. O próprio Coringa é uma versão bem reconhecível, com zero esforço da equipe de criação. No quesito arte, nossos olhos vão se voltar à Harley. Sua movimentação e animação como um todo o suficiente para fazer jus à violência que claramente seria parte de uma série como essa. É muito divertido ficar vendo a coreografia de luta, Harley e suas acrobacias malucas e disposição para quebrar ossos é uma coisa que não vamos ver em live action (a não ser que Aves de Rapina surpreenda), então que bom que podemos ver aqui. 

E é bem interessante em que como o relacionamento de Harley Quinn e Poison Ivy tem potencial. São melhores amigas e se amam, e suas personalidades contrastastes protagonizam muitas cenas divertidas. Nos quadrinhos, elas são namoradas, mas não dá pra saber se isso acontecerá na série, provavelmente a relação vai se desenvolver aos poucos. Harley acabou de sair de uma relação terrível, não é uma boa ideia um outro romance aparecer tão rapidamente. E de qualquer forma, as duas ainda são os pilares da série. Curiosamente, as duas também estão protagonizando uma série nos quadrinhos, que que também captura a relação muito bem, além de ter um tom parecido. 

Harley Quinn pode não ser para todos, pois não se enganem, quem não gosta de cenas sanguinolentas ou mutilações mesmo que em desenho, pode não ter a melhor das experiências. Mas se for a sua praia ou simplesmente não se importar, pois mais do que tudo, é uma comédia, então é recomendação garantida. Para fãs do universo do Batman ou para quem conhece nem que seja um pouquinho, Harley Quinn vai arrancar umas boas risadas. 

Wescreenplay

Estamos em dezembro, o que quer dizer que acabou o desafio do Nanowrimo. Eu e a Alana participamos esse ano e obtivemos o nosso melhor resultado de todos! Desde 2015, ano em que nos conhecemos, que temos participado do Nano, mas nunca conseguimos resultados relevantes. 

Com quase 50 mil palavras escritas e uma história bacana que estamos concluindo, ficamos muito empolgadas com tudo. Por isso decidimos fazer esse post para dividir com vocês como foi participar desse Nanowrimo.

Para mim, Thawana, foi um tanto desafiador. Eu sou uma pessoa extremamente perfeccionista e posso escrever dezenas de páginas e simplesmente deletar tudo porque não achei que ficou bom o suficiente. Tenho várias histórias na minha cabeça e muitas dessas histórias eu já comecei a escrever em várias oportunidades para apenas apagá-las pelo motivo já citado. Além disso, toda vez que vou escrever, fico relendo o que já escrevi e obviamente vou encontrando erros e imperfeições. Para poder participar do Nanowrimo, tive que abrir mão desses dois comportamentos. O número de palavras escritas é o mais importante, então eu não podia ficar deletando tudo só porque achava que poderia fazer melhor. O meu foco ficou totalmente no número de palavras necessárias por dia, é claro, respeitando a narrativa que estávamos criando. Acredito que o fato de escrever em parceria com outra pessoa também me impulsionou, porque além do compromisso de concluir o Nano em si, também tem aquele compromisso para com a outra pessoa que está participando do desafio com você.

Antes de começarmos a escrever, eu não tinha ideia nenhuma. Não conseguia pensar em uma premissa ou história, por mais simples e boba que fosse, sério. Foi a Alana que veio, não com uma proposta, mas com três! Aí, é claro, eu não podia decepcionar minha amiga, fazendo corpo mole para o desafio, né? 

Inicialmente, a história era, para mim, uma desculpa para escrever. Precisávamos de 50k palavras, então obviamente, precisávamos de algo para falar sobre. E apesar do foco ser a quantidade, a história também era importante. Assim sendo, começamos a escrever, ainda sentindo as personagens e tentando encaixar nossas narrativas sem que o texto ficasse parecendo um Frankstein. 

O mais difícil para mim era sentar e começar a escrever. Depois que eu começava, as coisa fluíam bem - mesmo que ao terminar um capítulo eu me desse conta de que precisaria de mais palavras. Participar do Nano me fez perceber que eu tenho capacidade para escrever uma boa história, e que por isso tenho que parar de planejar minhas histórias e começar a escrevê-las. 

Gostei muito de participar do Nano desse ano. Não sei se participarei no ano que vem, porque sinto que consegui aprender exatamente o que o Nano quer ensinar. Mas nunca se sabe, sempre pode-se mudar de ideia.

Agora se tratando de mim, Alana, a pior coisa foram os dias corridos e falta de privacidade, o que mais dificulta para mim. Há todo momento eu sabia que o livro precisaria de edição, reescrita e essas coisas, então não me preocupei muito com a coesão da narrativa e subplots mal aproveitados, pois eles seriam (serão) corrigidos no futuro.

Além disso, outro ponto extremamente complicado foi saber o que escrever. Sentei para escrever, toda pronta para as palavras do dia e ficava minutos, às vezes, a sessão inteira só pensando nas cenas que colocaria no papel. Porque não é só criar uma cena, a cena criada precisa se conectar à seguinte e ao mesmo tempo, fazer o plot ir para frente ou dar o vislumbre da construção de personagem.

Adorei participar, o melhor foi saber de nossas capacidades e que temos calibre sim para escrever uma história e ter uma rotina de escrita. Isso foi o mais importante.

No mínimo, foi uma temporada que deu o que falar. Me lembro quando em poucos dias o trailer chegou a 10 milhões de visualizações e milhares de dislikes e comentários negativos. Fiquei tão decepcionada e preocupada com o possível fracasso (que poderia significar um cancelamento para mentes mais pessimistas), que procurei pelo trailer oficial lançado no Japão e li os comentários de japoneses. Fiquei em dúvida se a onda de decepção vinha somente de nós, os estrangeiros e se o público japonês, na verdade, não se importava. Acabou que eles se importavam sim.  

Como já foi dito nesta publicação, o trailer nos decepcionou de maneira sem igual, apesar dos problemas de produção serem claros para todos, principalmente no que se refere ao tempo (a falta dele) por conta da pressa dos executivos em lançarem. Todos os problemas já foram discutidos bem aqui.

Enfim, vamos falar da segunda temporada em si.

Passaram-se duas ou três semanas desde que Saitama derrotou Boros, seu mais poderoso adversário e mesmo assim, derrotado com facilidade. Somos introduzidos a diversos novos personagens: King, Fubuki, a irmã de Tatsumaki, Metal Bat, Bang etc.; todos já deram pequenas participações na S1 ou em ovas, mas é agora que terão um papel de verdade na história. Acontece é após os eventos de Saitama vs. Boros, o mundo não teve um segundo de calmaria, pois as aparições de monstros só aumentaram, a ponto da Associação de Heróis não dar conta da demanda. E como não podia deixar de ser, Saitama parece não consciente da gravidade da situação. E para piorar, um autointitulado "caçador de heróis" está a solta, seu nome é Garou e seu objetivo é simplesmente derrotar todos os heróis da Associação, os motivos para isso, obscuros.

A narrativa segue Garou como seguiria um herói. Todos os clichês narrativos em que heróis são tratados (desvantagem nas lutas, derrotas, a necessidade de ser mais forte, a persistência de continuar lutando mesmo ferido etc.) são colocados em Garou, o vilão. Isso dá um estranhamento, pois vimos Garou espancar heróis e ferir o amado Ciclista e pouco a pouco, episódio a episódio, ele toma as rédeas da história e as convenções narrativas de heróis passam a ser aplicadas ao vilão Garou. Quando muitos heróis se juntam para derrotá-lo e ele está ferido, sem chance de vitória, é a típica cena em que o herói se encontra em desvantagem numérica e precisa se superar; e de repente, ficamos num beco sem saída e torcemos por ele, muito mais do que pelos heróis. Garou nos ganhou.

E é interessante ver que, como Saitama não segue essas convenções narrativas de heróis, então agora temos o vilão Garou para tê-las. E o time comic atinge seu ápice na primeira vez que eles se encontram, sem saber quem é o outro, e tudo termina num golpe. Já perdi a conta de quantas vezes reassisti a cena, tão perfeita e engraçada como no mangá. Na verdade, todos os encontros de Saitama e Garou são extremamente engraçados, pelo menos, antes da luta final entre eles (que ainda será adaptada no mangá). Ou seja, ONE continua sendo um escritor de comédia magistral.

De qualquer maneira, se essa temporada merece ser assistida, é por conta de Garou. Queira ou não, em maior parte, o estúdio fez jus ao personagem. A não ser por um episódio ou momentos específicos, dá pra sentir que a maioria da grana foi investida nas cenas de Garou, a animação de suas lutas, a coreografia, artwork, trilha sonora etc.; e a tal trilha sonora do personagem também é um espetáculo, daquelas que é impossível você não se conectar imediatamente ao personagem ou arrepiar, nem que seja um pouquinho. Sou muito fã de trilhas sonoras marcantes e esta certamente virou uma das minhas favoritas. Apesar de tudo, a segunda temporada merece sim assistida e Garou é a maior prova disso. Mas por que o "apesar de tudo"?

Não dá pra negar os muitos problemas, e é por causa deles que se um remake fosse feito, eu não reclamaria, mesmo que a 3º temporada demorasse ainda mais. Obviamente a temporada não será refeita e essa mancha ficará no anime ainda por muito tempo, somente uma 3º brilhante para apagar a controvérsia. Os erros podem ser divididos em dois: animação e ritmo. 

A saída do diretor que fez a primeira temporada foi o maior responsável pela queda, junto da falta de tempo, como já foi falado aqui. Mas o que realmente isso ocasionou na prática? Primeiro, a perda de fluidez na animação e a perda da consistência no design de personagens, dentre outros fatores. A primeira temporada foi produzida totalmente utilizando a chamada "sakuga animation", que são cenas produzidas com qualidade superior ao resto do mesmo anime, One Punch Man sendo um dos poucos que se usaram a técnica em praticamente toda a sua duração. Claro que com a troca de direção e estúdio isso não pode ser repetido. Nem de longe. A animação parece engessada, as cenas de ação do primeiro episódio, vergonhosas. Vemos Genos saltar de maneira estranha, dura, numa caixa d'água; noutra, a câmera se move num desenho parado de Genos para fingir movimentação. Noutra, não há nem mesmo a tentativa de simular movimento, Saitama pula do prédio com sua imagem parada só sendo arrastada para frente, o que se repete no segundo episódio, onde Sonic tem sua imagem parada também arrastada num giro. 

Sonic perdeu toda a desenvoltura bem animada e a delicadeza em suas lutas. Genos ganhou uma armadura em 3D que fica mais terrível cada vez que você olha. Fubuki, a irmã complexada de Tatsumaki, ganha uma animação que não investe em suas habilidades pirotécnicas, seus peitos se movendo é a pouca coisa realmente fluida em sua batalha. É curioso como esta luta, tal como em quase todas as outras, temos luzes, poeira e fumaça acrescentada nas cenas ação como que para escondê-las. Isso claramente serviu para aparar falhas de animação e dar a sensação de que existe mais movimentação do que realmente há, e claro, passar mais tempo de tela sem produzir animações mais complexas que tomariam o tempo que os animadores não tinham.

Essa tentativa de economia se arrasta em quase todos os episódios. No terceiro, um dos melhores da nova temporada (junto do emocionante episódio de Suiryu), temos lutas espetaculares, porém, que só deixam essas falhas dos próximos episódios mais aparentes. A aguardada Garou vs Metal Bat começa com vinte segundos muito bem produzidos, que depois viram uma sequência mal arranjada de desenhos quase parados em fundos vermelhos. A construção da personalidade de Garou acontece escondida atrás da luta mal feita. Erro que é "consertado/esquecido" durante o espetáculo que é Garou contra os heróis quase no fim da temporada. 

Saitama também sofre. Seu design é uma montanha-russa na segunda temporada: sua cabeça tem vários tamanhos dependendo da cena, o perfil mal desenhado. Ele ganha um tom rosado/alaranjado esquisito, e mesmo tendo poucos movimentos por ser apático, os poucos que tem, são feitos de maneira mecânica como se não fossem importante. Talvez a única cena com ele com investimento maior foi seu fatídico encontro com Garou, mais por causa de Garou do que por Saitama. Genos, como já comentado, anda a torto e a direito com sua armadura 3D e tentamos fingir que não está feio, e mesmo quando olhamos em seu rosto, seus novos traços mais afiados, queixo e nariz diferentes só nos lembram que estamos vendo uma versão piorada de Genos. 

Entretanto, não é só de animação ruim que se faz uma má temporada. O tempo certamente foi um inimigo, e tentar compilar capítulos de mangá demais em poucos episódios também. O roteiro se preocupa com cenas inéditas do Ciclista e sua confiança em Saitama, o que foi um acerto, mas se perde em tentar comprimir tantos capítulos. A invasão dos monstros nas cidades é feita de maneira tão rápida através de um único episódio que eu fiquei confusa no porquê a direção não tentou dar um jeito. Em mangá a coisa fica mais tranquila porque as publicações são esparsas, mas o anime é uma mídia diferente, certas situação precisam adaptadas, cortadas, redistribuídas. Comprimir capítulos lançados e produzidos através de meses em poucos minutos não foi a melhor das ideias. E se o roteiro segue majoritariamente bem, até porque é de ONE, a direção não o trata como deveria. A sacada cômica do "poder" de King e seu ataque é perdida; a dramaticidade ocasional parece não existir. Não temos nenhum trabalho de composição da trilha ou ângulos de câmera na conversa entre Saitama e King, quando vemos Saitama falar livremente do que claramente pode ser considerada uma depressão. A conversa flui com um bom texto, mas sem os toques artístico-dramáticos que a primeira temporada compôs tão bem. 

E se a revelação no final da primeira temporada arrepia, quando Boros diz afirma que Saitama era forte demais, o final da segunda não dá a mesma emoção. Claro, é sempre épico vê-lo derrotando criaturas poderosas, mas certamente, não foi a mesma coisa. O soco final parece ter sido redesenhado a partir do soco contra a explosão planetária de Boros de tão parecido, porém sem o charme. Para ser justa, repetir as sensações da batalha Saitama vs Boros é quase impossível e a Centopeia Anciã nem deveria ter sido o fim da temporada, pelo andamento da história, pois no mangá, o arco da Associação dos Monstros não acabou. O estúdio só não teve muita escolha. 

Sabemos que Saitama ressente não poder encontrar um inimigo à altura, e após ele derrotar Boros com facilidade, o suposto ser mais poderoso do universo, é como se Saitama soubesse que jamais encontraria alguém, não havendo mais um objetivo em sua vida. Sua depressão aumenta, parece mais apático que nunca, até sua voz está diversos graus mais morta do que antes, o que obviamente não é um problema, mas junto dos problemas da temporada, dá um certo tempero de desânimo durante os episódios. Você vê heróis aleatórios mal animados lutando contra monstros e depois vê Saitama sem ânimo para nada. A qualidade da ação no mangá contrasta com a apatia de Saitama, mas no anime, tudo parece sem empolgação em grande parte. Garou é realmente a chama que move tudo. 

Não era financeiramente válido esperar anos até que o direto da primeira temporada ou o arco da Associação de Monstros estivessem prontos. A força da marca One Punch Man sobreviveria mais anos sem uma nova temporada, mas os executivos não pensaram assim. A pressa em animar tudo tão rapidamente e não se preocupar com a estrutura mangá-anime ascendeu mais uma vez um alerta sobre o abuso contra animadores no Japão e seu excessiva carga-horária, totalmente desumana. Por que o planejamento dessa segunda temporada demorou tanto e a produção foi feita em tão pouco tempo? Se quanto mais tempo, menos os animadores ficariam expostos a uma agenda de trabalho quase impossível e mais probabilidade de sair um bom anime, por que optaram pela pior saída? Dinheiro. Nenhum deles se preocupa com a saúde dos funcionários ou em produzir arte. Não é rentável esperar tanto tempo. A indústria abusiva dos animadores japoneses vai muito além de uma temporada mal produzida de One Punch Man, e infelizmente, as muitas manchetes sobre o problema por conta da segunda temporada não parece ter surgido qualquer efeito. Como quase tudo na vida, o vilão da segunda temporada e dos animadores é a ganância.  

E o que esperar da terceira temporada? Não se sabe se um novo estúdio cuidará disso, ou terá mais episódios que o normal só para antecipar a luta final de Garou vs. Saitama. Há uma torcida imensa para que p estúdio Bones fique com os direitos, o mesmo de Mob Psycho 100 também escrito por ONE e com animação de dar inveja. Se ainda continuar na JC Staff, mesmo que a agenda de produção seja mais elástica, o backlash dos fãs e público em geral possa ser forte demais, principalmente com ONE e Murata visivelmente descontentes. Até lá, ler o mangá e reassistir as cenas com Garou é uma opção melhor do que aumentar a expectativa para a terceira temporada.